ARTE+ PENSAMIENTO

Comencé con bitforms para explorar el campo del arte digital. Para redefinir categorías y niveles de compromiso artístico. Para descubrir el nuevo arte. Para educar tanto a coleccionistas de la nueva y vieja escuela .

Bitforms representa a los artistas que usan las herramientas digitales como una parte esencial de su proceso. Estas herramientas ofrecen a los artistas nuevas formas de interpretar, manipular y visualizar la información. Es la evolución en el arte. Como galerista especializado en este tipo de trabajo, para mí es importante conocer estas herramientas. ¿Cómo y por qué se están usando? ¿Son necesarias? El uso gratuito de la tecnología por su rápido impacto puede ir en detrimento tanto del artista como de la galería.

Al igual que la mayoría de las galerías de arte contemporáneo, los tipos de trabajos que se exhiben en bitforms varían. Las categorías incluyen: Escultura reactiva. Visualización de datos. Instalaciones de sonido y vídeo. Escultura digital. Fotomanipulación. Medios mixtos. Software art. Aunque hay un hilo común al usar herramientas digitales, la idea y la ejecución del trabajo son la principal prioridad. ¿Es la idea fresca? ¿El pensamiento provocador? ¿Relevante? ¿Atractivo? De acuerdo, muchas de las preguntas son subjetivas, pero existe una comparación histórica y un proceso de descubrimiento que se puede usar para definir y ubicar los trabajos. De hecho, los artistas han estado usando la tecnología como una influencia o herramienta durante muchos siglos. Pero el uso de las tecnologías digitales es diferente. En especial el uso del software para crear o influir en una obra de arte.

La categoría del arte que ha sido la más estimulante en bitforms para definir, comercializar y legitimar ha sido el software art. ¿Cómo lo coleccionas? ¿Lo defines? ¿Cuál es su valor? ¿Valor futuro? ¿Archivabilidad? ¿Mantenimiento?

En bitforms se representan dos categorías del software art, framed y unframed software art. Estos términos pueden sonar tradicionales, pero los temas a los que se refieren no tiene que ver con grabados y lienzos enmarcados o no. Existen factores técnicos y de uso en los dos tipos. Otros factores son la conexión a red, la interactividad, reactividad y pasividad. Estos términos ofrecen al coleccionista diferentes experiencias y requieren de otro mantenimiento y cuidado.

Las obras de framed software art, como la de Manfred Mohr, están orientadas a objetos y sintonizan más con los criterios tradicionales del arte. El trabajo de Mohr se basa en la fracturación de la simetría de un cubo en coordenadas cartesianas. “motion” son las nuevas presentaciones de Mohr de animación y movimiento del sistema de decisiones binarias. Mostradas en estaciones informáticas hechas a mano y pantallas planas, estos trabajos pasivos generados a partir de programas escritos por Mohr ofrecen un sutil paso – una visión reveladora en el proceso de pensamiento de las creaciones de Mohr.

En "Mirrors #2, #5, #6"de Daniel Rozin, se ha creado una pieza reactiva basada en pantallas de sotware art. La entrada de vídeo interpreta la forma y cada espejo proporciona una recopilación de color, formas y movimiento. Las tres piezas tratan de la manera en que el movimiento y las imágenes digitales se reproducen y se perciben.

Los trabajos del framed software art se venden como ediciones variantes o únicos y son normalmente más caros que los del unframed software art. Con los trabajos del framed software art existe un control total por parte del artista de la forma en que la obra de arte funcionará y se mostrará. Muchas veces el enmarcar o albergar el software está unido conceptualmente al trabajo. Algunos artistas colaboran para fabricar sus objetos, mientras que otros poseen la destreza para construir la obra de arte completa. Los objetos del software art necesitan ser sólidos y de fácil mantenimiento. Generalmente tienen una garantía y un manual detallado de mantenimiento. Al requerir hardware, se debe tener cuidado en su manejo.

El unframed software art es un poco más difícil de definir y controlar. Se vende en un CD y se puede enmarcar o mostrar en la forma que el coleccionista desee. Este arte puede ser interactivo y pasivo. Conectado a la Red y autónomo. bitforms ha vendido piezas autónomas en ediciones que oscilan entre las 10 y las 250. Cada CD va firmado y en un paquete a medida.

En bitforms somos firmes en la forma en que el trabajo se debe presentar. Se necesita un proceso de educación. La educación comienza con la explicación de cómo presentar y contratar el trabajo. Recomendamos que los trabajos se ejecuten en una máquina y monitor dedicado (una estación de software art). En la galería tenemos una instalación ideal, dos pantallas táctiles de 18” flotando en un brazo de acero giratorio. Oculto se encuentra un procesador Dell con red, ratón y teclado inalámbrico. La presentación es importante. Con el fin de ayudar a la gente a manejar su software art, hemos creado una herramienta administrativa que permite a los coleccionistas añadir, borrar y seleccionar piezas. Una vez que el software art se carga y añade al sistema, el coleccionista no tiene que volver al escritorio. Este es un paso importante para crear un sistema aislado que se centre en la exposición e interacción del software art. Un sistema que recomendamos para mostrar el software art son las unidades todo en uno de ezscreen.Son unidades a medida que poseen procesador y pantalla táctil como una pieza del hardware. Vienen en versiones de 15” y 18”, y se cuelgan en la pared como un cuadro o escultura de pared. La simplicidad y flexibilidad de este sistema hace que sea muy fácil de coleccionar y de presentar casi todos los tipos del software art.

Los coleccionistas de este tipo de arte varían. Hay coleccionistas de la vieja escuela a los que les llama la atención el trabajo y el bajo coste de entrada. Hay nuevos coleccionistas que se entusiasman con las nuevas tecnologías y la naturaleza interactiva de ciertos trabajos. Y existen museos que quieren mantener un vínculo con lo que es actual y nuevo. Algunas de las preguntas que se hacen los coleccionistas son: ¿Qué es lo que realmente estoy comprando? ¿Cuál es el papel del artista? ¿Es esto realmente arte? El coleccionista obtiene un conjunto de bases o parámetros determinados por el artista. Estas bases son el arte. Son la esencia de la experiencia y una dirección estética. Estas bases se pueden interpretar como el código que el artista escribe. Era de esperar que se cuestionara si esto se considera una forma artística.

Uno de los temas del unframed software art es el concepto de exposición en un sistema dedicado. Incluso aunque el coste de una pantalla plana y un procesador ha bajado drásticamente a través de los años, es todavía una barrera psicológica dedicar un ordenador a una única tarea. Así que mucha gente elige comprar el trabajo y colocarlo en su máquina de todos los días con el resto de sus cosas. Equiparo esto con comprar un grabado y ponerlo en una revista. Es una distracción y resta valor a la experiencia. La otra barrera es la comparación de “salvapantallas”. La sociedad ha elegido no tener mucha consideración hacia los salvapantallas – son visuales temporales. Otro desafío para la legitimidad de este tipo de arte.

Otro tipo de unframed software art utiliza la conexión Internet o de red. Un ejemplo sería “Waiting Room” de Mark Napier; una pieza de red de colaboración dentro de un espacio virtual compartido por 50 usuarios en Internet. En este espacio el visitante se vuelve un participante en una pintura en movimiento. Sus acciones activan y dan forma a la obra de arte, cambiando la pantalla a través del humor, desde bordes muy delineados a un sentido atmosférico, de lo oscuro a lo claro, de lo tranquilo o lo caótico. Cada clic crea una forma, una sombra o una pared, una sugerencia de arquitectura o una luz que se desvanece. Como sólo existe una pieza en un servidor, este trabajo se vendió en acciones. 50 acciones a $1,000 por acción. La base para promover este trabajo fue una fiesta de software art en la casa de un coleccionista. Tuvimos el “Waiting Room” ejecutándose en la fiesta. Los coleccionistas que no pudieron acudir se conectaban a la pieza e interactuaban con los de la fiesta. Mark Napier estaba allí para hablar de la pieza y responder a cualquier pregunta. Ésta fue una forma ideal de experimentar la verdadera belleza del concepto de arte de red cooperativo en un ambiente social. También permitió que la gente viera cómo vivir con el arte de múltiples maneras.

Los trabajos de Golan Levin y Casey Reas tienen vínculos con el expresionismo abstracto. Sus trabajos son interpretaciones orgánicas de la forma, el movimiento y la interactividad. En “Floccus”, de Golan Levin, los filamentos dúctiles trazados por el usuario giran alrededor de un sumidero cambiante e imaginario centrado en el cursor del usuario. Estos filamentos – rotos por impulsos opuestos para a la vez preservar su longitud, y para también acercarse o alejarse del cursor del usuario – encuentran un equilibrio al formar masas nudosas y enredadas. “Tissue” de Casey Reas expone los movimientos de miles de sistemas neurales sintéticos. Cada línea en la imagen revela la historia del movimiento de un sistema: La gente interactúa con el software colocando un grupo de puntos en la pantalla. Al colocar y volver a recolocar los puntos, una interpretación del sistema completo surge de las sutiles relaciones ente la entrada posicional y la rica salida visual.

El software art está confiriendo poderes. Su belleza y posibilidades son demasiado atrayentes. Los artistas tienen demasiado talento. Y el mundo merece una nueva salida creativa.